Santísima Anunciada (Florencia)
Michelozzo di Bartolomeo
ANALISIS SENSORIAL
Me parece que para su época fue una obra muy importante ya que todo estaba basado en la religión y sus dioses en los cuales se buscaba la construcción de templos para su alabanza y glorificación.
La iglesia fue fundada en 1250 por los siete fundadores de la Orden de los Servitas. En 1252, una pintura de la Anunciación , que había sido empezada por uno de los monjes, pero abandonada en plena desesperación por creer que no podía crear una imagen suficientemente bella, fue supuestamente completada por un ángel mientras él dormía. Esta pintura fue colocada en la iglesia y se hizo tan venerada que en 1444 la familia Gonzaga de Mantua financió un templete especial. Michelozzo, hermano del prior servita, fue encargado de su construcción, pero puesto que Ludovico II Gonzaga sentía una admiración especial por Leon Battista Alberti, se lo encargaron a éste en 1469. Su visión quedó limitada, sin embargo, por los fundamentos precedentes. La construcción se completó en 1481, después de la muerte de Alberti.
CONTEXTO SOCIOLÓGICO, POLÍLITO E HISTÓRICO
Los peregrinos que llegaban a la iglesia a venerar la pintura milagrosa a menudo dejaban ofertas votivas de cera, muchas de ellas modelos a tamaño natural del donante (a veces incluyendo caballos). En 1516 se erigió un atrio especial para alojar estas figuras, el Chiostrino dei Voti. A finales del siglo XVIII había unas seiscientas imágenes de este tipo, convirtiéndose en una de las principales atracciones turísticas de la ciudad. En 1786, sin embargo, todas se fundieron para hacer velas.
Las novias florentinas tradicionalmente visitas el santuario para dejar sus ramos y rogar por un largo y fructífero matrimonio
ANÁLISIS SIMBÓLICO
Se entra a la iglesia por el Chiostrino dei Voti. La decoración barroca del interior de la iglesia se comenzó en 1644, cuando Pietro Giambelli pintó frescos en el techo con una Asunción como pieza central basándose en dibujos de Baldassare Franceschini.
La primera capilla a la derecha contiene una Virgen en la gloria, obra de Jacopo da Empoli, con muros pintados al fresco por Matteo Rosselli. La quinta capilla a la derecha contiene un monumento a Orlando de Médicis (1456) por Bernardo Rossellino. El transepto derecho tiene una pequeña capilla lateral con una Pietà (1559) de Baccio Bandinelli y está honrada con la presencia de su tumba.
SIGNIFICADO IDEOLÓGICO
El Chiostrino dei Voti fue diseñado por Michelozzo, y está cubierto de frescos comenzados en 1516 para marcar la canonización de Filippo Benizzi, quinto Prior General de los Servitas.
Del crucero norte se pasa a otro claustro, conocido como el Chiostri dei Morti (claustro de los muertos), cuyo nombre se debe a que sirvió de cementerio. Contiene la famosa Virgen del saco (1525) de del Sarto. La Cappella di San Luca, que sale de ella, ha pertenecido a la confraternidad de artistas de la Accademia delle Arti del Disegno desde 1565.
ANÁLISIS FORMAL O ESTILÍSTICO
La tribuna rodeada de capillas o coro, conocida como la Rotonda , fue diseñada por Michelozzo y Leon Battista Alberti entre 1444-76. Entre las capillas destacan la quinta (alienada con el eje de la nave), que tiene un crucifijo (1594-8) de Giambologna para su tumba, con estatuas de las vidas activa y contemplativa por su alumno Francavilla, santos y ángeles de Pietro Tacca,[4] y murales de Bernardino Poccetti. La siguiente capilla tiene una Resurrección (1548-52) de Bronzino con una estatua de San Roque atribuida a Veit Stoss. La siguiente capilla tiene una Virgen con santos de un seguidor de Perugino.
En la sexta capilla a la izquierda de la nave hay un Santos Ignacio, Erasmo y Blas de Raffaellino del Garbo, la capilla siguiente tiene una Asunción (1506) de Perugino. El retablo de la siguiente capilla tiene una Trinidad con san Jerónimo y dos santos (h. 1455) de Castagno, quien también pintó el mural de Visión de san Julián en la siguiente capilla, llamada la Capilla Feroni. Esta capilla tiene una decoración muy elaborada de estilo barroco de Giovanni Battisa Foggini que data de 1692. La primera capilla justo a la izquierda de la entrada tiene un tabernáculo de la Annunziatia (1448-52) de Michelozzo y Pagno di Lapo Portigiani.
Convento de San Marcos
ANALISIS SENSORIAL
Me parece que es un convento precioso, se puede ver el gran trabajo en los detalles de sus paredes, puerta principal, en las ventanas, cada rincon del convento es una esplendida muestra de arte.
El convento de San Marcos es una de las grandes joyas de la arquitectura de la ciudad española de León junto con la Catedral, la Basílica de San Isidoro o la Casa Botines. Se encuentra hoy convertido en parador-hostal de lujo, además de Iglesia consagrada y Museo de León, es uno de los monumentos más importantes del Renacimiento español.
FICHA TÉCNICALos orígenes de este edificio se encuentran en el siglo XII, cuando en tiempos del rey Alfonso VII, la infanta Sancha de Castilla, realizó una donación destinada a la construcción de un modesto edificio a las afueras de la ciudad amurallada y a orillas del río Bernesga, en el cual pudieran “hospedarse los pobres de Cristo”. Convirtiéndose así en un templo-hospital para refugio de los peregrinos que realizan el Camino de Santiago.
CONTEXTO SOCIOLÓGICO, POLÍLITO E HISTÓRICO
En el siglo XVI, se derribó este edificio y se realizó una nueva obra, gracias a una donación de Fernando el Católico. Los arquitectos designados para esta obra fueron: Juan de Orozco (iglesia), Martín de Villarreal (Fachada) y Juan de Badajoz el Mozo (claustro y sacristía). La construcción abarcó un gran espacio temporal siendo finalizado en la siglo XVIII.
ANÁLISIS SIMBÓLICO
Como ya se ha dicho es uno de los monumentos más importantes del Renacimiento español, su fachada es una perla del plateresco, se empezó a construir hacia el año 1515. Es de un solo lienzo con muro de dos cuerpos, rematado en crestería calada y candeleros. En el zócalo se presenta medallones con personajes greco - latinos y de la Historia de España. En el sobre-zócalo se representan cabezas de ángeles.
La torre palaciega, data del 1711 al 1714, está decorada con cruz de Santiago y un León, presenta cuatro frisos con entablamento.
SIGNIFICADO IDEOLÓGICO
La portada principal, tiene dos cuerpos más peineta. En el primer cuerpo hay un gran arco de medio punto con roseta e intradós decorado. La clave es de tipo exaltado representando a San Marcos. Medallones con inscripciones bíblicas; altorrelieve de Santiago triunfante en la batalla de Clavijo. Vano de estilo barroco, con Escudo de Armas de Santiago y los del Reino de León. En la peineta están representados el Escudo de armas reales y una estatua de la Fama , obra de los Valladolid. Óculo en forma de rosetón.
ANÁLISIS FORMAL O ESTILÍSTICO
El claustro se divide en dos tramos del siglo XVI, obra de Juan de Badajoz el Mozo, en este tramo hay un bajorrelieve obra de Juan de Juni, representando un Nacimiento. Dos tramos de los siglos XVII y XVIII. La iglesia es de estilo gótico hispano tardío, llamado “Reyes Católicos”. La portada está flanqueada por dos torres inacabadas y entre ellas una gran bóveda de crucería. Destacan dos hornacinas, una en cada torre y en una de ellas se encuentra grabada la fecha de terminación de la iglesia: 3 de junio de 1541. Están representados dos relieves: Calvario con Cruz y Descendimiento de Juan de Juni. El interior presenta una amplia y espaciosa nave, con crucero separado por rejería. En el retablo mayor, son destacables: Apostolado y Anunciación (s. XVIII).
Templo Malatestiano
Leon Battista Alberti
La obra arquitectónica que se la esta analizando me parece que es una reliquia para su país por la forma en la que el arquitecto muestra arte en cada rincón de la iglesia.
Llamado así por ser el templo de la familia Malatesta, es la catedral de Rímini, Italia. Oficialmente lleva el título de San Francisco, pero coge el nombre de Segismundo Pandolfo Malatesta, quien encargó la construcción de este edificio al arquitecto renacentista Leon Battista Alberti por el año 1450.
FICHA TÉCNICAEl inicio de la obra fue modesto: entre 1447 y 1449 se le añadieron a la primitiva iglesia medieval dos nuevas capillas en el lado sur, y más tarde, c 1450 Leon Battista Alberti concibió la idea de renovar completamente la apariencia exterior, así como su el interior del templo.
CONTEXTO SOCIOLÓGICO, POLÍLITO E HISTÓRICO
Originalmente la iglesia de San Francisco era un templo gótico. En el mismo lugar está documentada la existencia de otra iglesia llamada Santa María in Trivio, referenciada desde el siglo IX. La iglesia original tenía una planta rectangular, sin capillas laterales, y con una única nave con tres ábsides. El central probablemente estaba decorado con un fresco realizado por Giotto. Este artista es también el autor de un crucifijo que en la actualidad se encuentra en el ábside derecho.
ANÁLISIS SIMBÓLICO
La obra fue realizada a instancias de Segismundo Pandolfo Malatesta, señor de Rímini y reputado condotiero, quien encargó a Alberti la reestructuración del templo. Dos años después, cuando Segismundo fue derrocado por las tropas papales, aliadas con Federico da Montefeltro. Durante ese periodo las obras continuaron, pero con algún cambio sustancial. En un principio el monumento se iba a crear como un mausoleo para el comitente y su estirpe, en especial para su amante y última esposa Isotta degli Atti. De hecho no se había proyectado ningún símbolo cristiano, cosa inaudita en aquellos tiempos.
SIGNIFICADO IDEOLÓGICO
Las esculturas y bajorrelieves son probablemente obra de Agostino di Duccio. Participaron en la obra, en diversos grados, Matteo De' Pasti, Roberto Valturio, Basinio di Parma y Piero della Francesca, del que se conserva en el interior del edificio un fresco representando a Segismundo Pandolfo Malatesta rezando delante de la imagen de San Segismundo, un antepasado suyo.
ANÁLISIS FORMAL O ESTILÍSTICO
La estructura proyectada por el genio genovés no fue completada. El proyecto contemplaba la realización de una cúpula, de grandes dimensiones, a semejanza de la del Panteón de Roma. Al parecer la intención era que se convirtiera en la mayor cúpula de Italia, superando a la de Santa María del Fiore de Florencia. Sin embargo nunca se llegó a realizar debido a problemas económicos.
Donato d'Angelo Bramante
Templete de San Pietro in Montorio
ANALISIS SENSORIAL
Me parece que para su época fue una obra muy importante ya que todo estaba basado en la religión y sus dioses en los cuales se buscaba la construcción de templos para su alabanza y glorificación.
La obra arquitectónica que se la esta analizando me parece que es una reliquia para su país por la forma en la que el arquitecto muestra arte en cada rincón de la iglesia.
FICHA TÉCNICAEl templete de San Pietro in Montorio es obra del arquitecto cinquecentista Bramante erigido hacia 1502 - 1510, en uno de los patios del convento franciscano homónimo en Roma, actual Academia de España en Roma.
Fue encargado por los Reyes Católicos para conmemorar la Toma de Granada en 1492, levantándose en el lugar donde según la tradición fue martirizado San Pedro.
Se considera esta obra como el manifiesto de la arquitectura del clasicismo renacentista, dada su pureza de líneas y austeridad decorativa.
CONTEXTO SOCIOLÓGICO, POLÍLITO E HISTÓRICO
El Tempietto de San Pietro in Montorio fue el primer edificio de estilo clásico que se edifico en Roma, siendo una gran influencia en la arquitectura italiana del siglo XVI. De esta forma, la mayoría de los edificios del nuevo estilo han sufrido tantas modificaciones que el Tempietto es el único en proporcionar una visión inmediata de la obra de Bramante.
ANÁLISIS SIMBÓLICO
El conjunto simboliza la condición del Apóstol Pedro como Primer Pontífice y fundamento de la Iglesia. La cripta simboliza el martirio del apóstol, el peristilo a la iglesia militante, la cúpula a la Iglesia Triunfante y el crepidoma, a modo de tres escalones, representa las tres virtudes teologales: fe, esperanza y caridad.
SIGNIFICADO IDEOLÓGICO
El proyecto no se llevó a cabo en su totalidad, ya que el Tempietto no debía levantarse en el interior de un patio cuadrado, sino que iba a estar rodeado por un claustro circular compuesto por dieciséis columnas. Estaba previsto que su diámetro fuera una vez y media el de las columnas y que su altura guardase una proporción similar. De haberse llevado a cabo, la vista del Tempietto para un espectador situado en el claustro habría estado enmarcada por las columnas y el entablamento, y las columnas de la columnata le habrían parecido iguales en altura a las del claustro
ANÁLISIS FORMAL O ESTILÍSTICO
En cuanto a la decoración, Bramante alterna como elemento decorativo en las metopas, los instrumentos del martirio de san Pedro y objetos de la liturgia cristiana, una recreación de la decoración pagana de los templos clásicos en honor a sus héroes. La sencilla cúpula nervada sirvió de inspiración para la de la basílica de San Pedro de Roma, proyectada, aunque no ejecutada por el mismo Bramante. La colocación de estatuas en los nichos de la parte superior del muro cilíndrico es un exponente de la integración de la escultura en la decoración arquitectónica, propia del clasicismo.Palacio Pitti
Filippo Brunelleschi
ANALISIS SENSORIAL
El Palazzo Pitti es un gigantesco palacio renacentista en Florencia, Italia. Está situado en la ribera sur del Arno, a muy corta distancia del Ponte Vecchio. El aspecto del actual palacio data de 1458 y era originalmente la residencia urbana de Luca Pitti, un banquero florentino. Fue comprado por la familia Médicis en 1549 como residencia oficial de los Grandes Duques de la Toscana.
FICHA TÉCNICAla construcción de este severo e imponente edificio fue encargada en 1458 por el banquero florentino Luca Pitti, amigo y aliado de Cosme de Médicis.La historia temprana de esta palacio es una mezcla de mito y realidad. Se dice que Luca Pitti quería construir un gran palacio que desbancase al Palacio Medici Riccardi, dando precisas instrucciones sobre el tamaño de las ventanas.
CONTEXTO SOCIOLÓGICO, POLÍLITO E HISTÓRICO
En el siglo XIX, el palacio fue usado como base militar por Napoleón I, y luego sirvió, durante un corto período, como residencia oficial de los Reyes de Italia. A principios del siglo XX, el palazzo junto con su contenido fue donado al pueblo italiano por Víctor Manuel III; por lo que se abrieron sus puertas al público y se convirtió en una de las más grandes galerías de arte de Florencia. Hoy en día sigue siendo un museo público, ampliado con colecciones de arte del siglo XIX y principios del XX.
ANÁLISIS SIMBÓLICO
Comparado con muchos de los grandes palacios de Italia, el Palacio Pitti no destaca, a primera vista, en especial; no tiene la imponente e impresionante presencia del Palacio Real de Caserta, ni la apariencia de fortaleza del Turín, ni la elegancia del Palacio Real de Nápoles o del Quirinal. La relevancia arquitectónica del Palacio Pitti.
ANÁLISIS FORMAL O ESTILÍSTICO
Aparte de las obvias diferencias estilísticas entre ambos arquitectos, Brunelleschi murió doce años antes de que comenzasen las obras del palacio. El diseño y la posición de los vanos sugieren que Fancelli tenía más experiencia en arquitectura utilitaria doméstica que en las reglas humanistas definidas por Alberti en su manual De Re Aedificatoria.
Jacopo d'Antonio Sansovino
Campanario de San Marcos
ANALISIS SENSORIAL
El Campanario de San Marcos es el campanario de la Basílica de San Marcos en Venecia, ubicado en la plaza del mismo nombre. Es uno de los símbolos de la ciudad.
La torre se encuentra en una esquina de la Plaza de San Marcos, cerca de la portada de la Basílica. Posee una altura total de 98,6 metros
FICHA TÉCNICALa construcción se inició en el siglo IX durante el ducado de Pietro Tribuno sobre fundaciones de origen romano. Fue finalizada en el siglo XII durante el ducado de Domenico Morosini. Seriamente dañado por un rayo en 1489 que destruyó la cúspide de madera, asume su aspecto definitivo en el siglo XVI gracias a los trabajos de reconstrucción para reparar los daños causados por el terremoto de marzo del 1511.
CONTEXTO SOCIOLÓGICO, POLÍLITO E HISTÓRICO
En los siguientes siglos se realizaron numerosas intervenciones, a menudo para reparar los dañados causados por los rayos. En el 1653 fue Baldasarre Longhena quien continuó la restauración. Otros le siguieron después de que el 13 de abril de 1745 un rayo provocara una gran grieta. Finalmente en el 1776 el campanario fue dotado de un pararrayos. En el 1820 se sustituyó la estatua del ángel por una nueva realizada por Luigi Zandomeneghi.
ANÁLISIS SIMBÓLICO
La construcción está coronada por una aguja piramidal, en el extremo de la cual se encuentra una veleta dorada con la figura del Arcángel Gabriel. La torre que se observa hoy es una reconstrucción de 1912, año en que se colapsó la torre, aunque la forma original de 1514 se mantuvo.
SIGNIFICADO IDEOLÓGICO
En julio de 1902 sobre la pared norte de la construcción se descubre la presencia de una peligrosa hendidura que en los sucesivos días aumentó de dimensiones hasta que la mañana del lunes 14 de julio a las 9:47 el campanario se desplomó.
ANÁLISIS FORMAL O ESTILÍSTICO
La torre se encuentra en una esquina de la Plaza de San Marcos, cerca de la portada de la Basílica. Posee una altura total de 98,6 metros . Su cuerpo principal, de ladrillo, es un ortoedro de base cuadrada de 12 metros de lado y 50 metros de alto, sobre el cual se asienta un campanario blanco con cuatro arcos por cara, que aloja cinco campanas. El campanario posee en su parte superior un cubo, en cuyas caras se presentan leones y la representación femenina de Venecia (la Giustizia : Justicia) de forma alternada.
Fra Angelico
La Anunciación
ANALISIS SENSORIAL
La obra me parece muy interesante porque junta la religión en este caso hechos bíblicos para expresar su arte y eso hace que cada persona al verlo nos transportáramos a ese hecho tan trascendental y lo vivamos con nuestros propios ojos.
Se puede apreciar los detalles tan realistas tanto en manos como en la posición de los cuerpos del ángel y de María.
FICHA TÉCNICACONTEXTO SOCIOLÓGICO, POLÍLITO E HISTÓRICO
En pintura, las novedades del Renacimiento se introducirán de forma paulatina pero irreversible a partir del siglo XV. Un antecedente de las mismas fue Giotto (1267-1337), pintor aún dentro de la órbita del Gótico, pero que desarrolló en sus pinturas conceptos como volumen tridimensional, perspectiva, naturalismo, que alejan su obra de los rígidos modos de la tradición bizantina y gótica y preludian el Renacimiento pictórico.
ANÁLISIS SIMBÓLICO
Aunque, Fra Angélico realizó otras versiones de la anunciación (como La Anunciación, que se encuentra en el Museo del Prado), se considera este fresco de Florencia “la versión más emotiva del Angélico, por su íntima y desnuda unción” (M. Olivar).
SIGNIFICADO IDEOLÓGICO
Desarrolla el tema de la Anunciación, tal como aparece narrado en el Nuevo Testamento, (Lc. 1,26-38), mostrando la escena en un pórtico de mármol abierto, all’aperto, que recuerda al Hospital de los Inocentes, construcción de un coetáneo de Fray Angélico como Brunelleschi, con arcos de medio punto que descansan sobre finas columnas blancas. Tiene bóvedas de arista, de color azul celeste sembrado de pequeñas estrellas de oro
ANÁLISIS FORMAL O ESTILÍSTICO
El pórtico es de mármol, La Virgen está situada a la derecha. Parece que ante la llegada del ángel ha suspendido la lectura del libro que ahora mantiene sobre el regazo. Tanto ella como la figura del ángel, son dos personajes rubios, de blanca piel y de manos finas y alargadas. La Virgen lleva una túnica de color rosado y un manto azul ultramar. El ángel está vestido con un traje de color rosa con franjas de oro, ceñido a la cintura, que cae en grandes pliegues hasta los pies.
Virgen con el Niño y Santa Ana
Masaccio
ANALISIS SENSORIAL
La obra me parece muy interesante porque junta la religión en este caso hechos bíblicos para expresar su arte y eso hace que cada persona al verlo nos transportáramos a ese hecho tan trascendental y lo vivamos con nuestros propios ojos.
FICHA TÉCNICACONTEXTO SOCIOLÓGICO, POLÍLITO E HISTÓRICO
El Renacimiento es fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo.
El nombre «renacimiento» se utilizó porque éste retomaba los elementos de la cultura clásica. El término simboliza la reactivación del conocimiento y el progreso tras siglos de predominio de un tipo de mentalidad dogmática establecida en la Europa de la Edad Media.
ANÁLISIS SIMBÓLICO
SIGNIFICADO IDEOLÓGICO
La figura de Cristo es la de un niño pequeño, una presencia realista, más que un querubín gótico. Esta es también una de las primeras pinturas que muestran el efecto de la luz natural sobre la figura; es esta invención la que imparte el modelado de la forma tan característico de Masaccio, y que tendría una profunda influencia en la pintura del Renacimiento italiano.
ANÁLISIS FORMAL O ESTILÍSTICO
Es una tabla cimbrada, pintada al temple que mide 175 cm de alto y 103 cm de ancho. Se conserva en la Galería de los Uffizi.
La figura de santa Ana está más deteriorada y puede juzgarse con dificultad, pero su mano, que parece explorar la profundidad del espacio pictórico, muy bien pudo ser invención de Masaccio. La Virgen con el Niño y santa Ana fue encargado en origen para la iglesia de san Ambrosio en Florencia. Según Vasari, «Se colocó en la puerta de la capilla que lleva al salón de las monjas.
Leyenda de la cruz
Piero della Francesca
ANALISIS SENSORIAL
Este ciclo de frescos está considerado una de las obras maestras de toda la pintura renacentista, tanto por la claridad de su composición como por su admirable luminosidad colorista. Han recuperado su originario valor artístico con una adecuada labor de restauración
La leyenda de la Vera Cruz (en italiano conocido como Leggenda della Vera Croce), es un ciclo de frescos considerados la obra maestra del pintor Italiano Piero della Francesca. Fue pintado en el periodo 1452-1466 en la Capilla Bacci o coro de la Basílica de San Francisco de Arezzo, villa situada en la Toscana (Italia).
CONTEXTO SOCIOLÓGICO, POLÍLITO E HISTÓRICO
En pintura, las novedades del Renacimiento se introducirán de forma paulatina pero irreversible a partir del siglo XV. Un antecedente de las mismas fue Giotto (1267-1337), pintor aún dentro de la órbita del Gótico, pero que desarrolló en sus pinturas conceptos como volumen tridimensional, perspectiva, naturalismo, que alejan su obra de los rígidos modos de la tradición bizantina y gótica y preludian el Renacimiento pictórico.
ANÁLISIS SIMBÓLICO
Los frescos cuentan la historia de la Leyenda de la Vera Cruz, la madera que se usó en la cruz de Cristo. Deriva de fuentes medievales legendarias sobre cómo se pudo encontrar esta reliquia, historias recopiladas en La leyenda dorada de Santiago de la Vorágine) de mediados del siglo XIII
ANÁLISIS FORMAL O ESTILÍSTICO
Este ciclo de frescos está considerado una de las obras maestras de toda la pintura renacentista, tanto por la claridad de su composición como por su admirable luminosidad colorista. Han recuperado su originario valor artístico con una adecuada labor de restauración en los años 1990, que finalizaron en 2000; esta restauración fue organizada por la superintendencia de Arezzo y financiadas por la Banca Etruria e del Lazio.
Leonardo da Vinci
Adoración de los Magos
ANALISIS SENSORIAL
la Virgen María y el Niño Jesús están representados en primer plano y forman un triángulo o pirámide con los Magos arrodillados en adoración; de esta figura, la Virgen resulta ser el vértice. Detrás de ellos hay un semicírculo de figuras que los acompañan, incluyendo lo que podría ser un autorretrato del joven Leonardo (en el extremo de la derecha, lejos).
CONTEXTO SOCIOLÓGICO, POLÍLITO E HISTÓRICO
En pintura, las novedades del Renacimiento se introducirán de forma paulatina pero irreversible a partir del siglo XV. Un antecedente de las mismas fue Giotto (1267-1337), pintor aún dentro de la órbita del Gótico, pero que desarrolló en sus pinturas conceptos como volumen tridimensional, perspectiva, naturalismo, que alejan su obra de los rígidos modos de la tradición bizantina y gótica y preludian el Renacimiento pictórico.
ANÁLISIS SIMBÓLICO
La composición de la obra fue inspirada por la Adoración de los Magos de Botticelli. La escena representada está dinámicamente articulada. Es una composición muy compleja de unos 6 metros cuadrados (246 cm x 243 cm ).
SIGNIFICADO IDEOLÓGICO
Domina un sentido de la circularidad, un vórtice de acción y gestos que giran en torno al grupo de la Virgen con el Hijo, que representa la Epifanía que afecta a todos los asistentes. El hecho de que las piernas de María estén vueltas hacia la izquierda mientras que su cabeza y la de Jesús se giran a la derecha dan a la pirámide un sentido de movimiento rotatorio. La cabeza de María es la intersección de las dos diagonales del cuadro, que se puede decir cuadrado visto la leve diferencia entre la altura y la base, de ahí que la cabeza de la Virgen sea el centro de la obra.
ANÁLISIS FORMAL O ESTILÍSTICO
En el fondo, dos árboles forman una diagonal. Uno es un laurel, símbolo de triunfo, y el otro una palmera; este segundo árbol puede entenderse como signo de martirio o como alusión a una frase del Cantar de los Cantares: "Eres majestuosa como una palmera", en la que parece prefigurarse María.
Tras esos árboles aparecen dos escenas. A la izquierda, la ruina de un edificio clásico, en el que pueden verse obreros, aparentemente reparándola. A la derecha hay jinetes desarzonados peleando, sobre caballos enfurecidos, y un esbozo de un paisaje rocoso
Miguel Ángel
Tondo Doni
ANALISIS SENSORIAL
Es el único panel de madera pintado por Miguel Ángel. Fue un encargo de Agnolo Doni, un rico tejedor, para conmemorar su matrimonio con Alex Cecala, la hija de una famosa familia de banqueros. Tiene forma de tondo, esto es, redonda, lo que se asociaba en el Renacimiento con el matrimonio.
Esta Sagrada Familia, conocida como Tondo Doni, es un cuadro del pintor renacentista italiano Miguel Ángel. Su diámetro alcanza los 120 centímetros. Se considera que esta obra se ejecutó entre el 1503 y el 1504. Se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia), con su marco original, diseñado por el propio Miguel Ángel.
CONTEXTO SOCIOLÓGICO, POLÍLITO E HISTÓRICO
En el Quattrocento (siglo XV), se recogen todas estas novedades y se adaptan a la nueva mentalidad humanista y burguesa que se expandía por las ciudades-estado italianas. Los pintores, aun tratando temas religiosos la mayoría de ellos, introducen también en sus obras la mitología, la alegoría y el retrato, que se desarrollará a partir de ahora enormemente.
ANÁLISIS SIMBÓLICO
Esta pintura puede verse como la sucesión de las diversas épocas en la historia del hombre: los ignudi representarían la civilización pagana anterior a la instauración de la ley divina (ante legem); san Juan y san José la era mosaica y la Virgen con el Niño la era de la Redención , a través de la encarnación de Jesús. También se ha apuntado la posibilidad de que sean María y José quienes personificaran a la humanidad de la época hebraica (sub lege), mientras que el Niño Jesús, solo, simbolizaría la Humanidad protegida por la Gracia divina (sub gratia); san Juan niño sería el elemento de transición y unión entre las tres edades.
SIGNIFICADO IDEOLÓGICO
Esta interpretación es sostenida incluso en las cabezas esculpidas sobre la cornisa original: dos sibilas (representando la edad pagana), dos profetas (representando la edad mosaica) y la cabeza de Cristo (representando la era de la redención), con frisos intermedios de animales, máscaras de sátiros y el emblema de los Strozzi.
ANÁLISIS FORMAL O ESTILÍSTICO
Aunque Miguel Ángel no se consideraba a sí mismo un pintor (y a menudo parece que se quejaba de este medio) el Tondo Doni es una obra bellamente ejecutada. El punto de vista que Miguel Ángel escoge para representar los desnudos es frontal, a diferencia del que adopta para el grupo central, que está visto desde abajo. Esta forma de representación está ligada a la voluntad, por parte del autor, de conferir monumentalidad a la Sagrada Familia, pero también para diferenciar las zonas figurativas contrapuestas por significado.
Los desposorios de la Virgen
Rafael Sanzio
ANALISIS SENSORIAL
Es un cuadro hecho a imitación de una tabla con el mismo tema y año de El Perugino, maestro de Rafael, que actualmente se encuentra en el Museo de Caen. Igualmente consideran los críticos que la pintura se inspiró en la celebrada Cristo entregando a san Pedro las llaves, de Perugino, del ciclo de frescos en la Capilla Sixtina.
FICHA TÉCNICALos desposorios de
CONTEXTO SOCIOLÓGICO, POLÍLITO E HISTÓRICO
Es una obra especialmente estimada por Rafael, uno de los indiscutibles favoritos del Renacimiento. En ella, Rafael pasa de ser un altamente dotado pero fiel seguidor de Perugino en el estilo local umbro, a un artista que representa el epítome del Renacimiento.ANÁLISIS SIMBÓLICO
Es un cuadro hecho a imitación de una tabla con el mismo tema y año de El Perugino, maestro de Rafael, que actualmente se encuentra en el Museo de Caen. Igualmente consideran los críticos que la pintura se inspiró en la celebrada Cristo entregando a san Pedro las llaves, de Perugino, del ciclo de frescos en la Capilla Sixtina.SIGNIFICADO IDEOLÓGICO
las principales figuras permanecen en pie en el primer plano: José está colocando solemnemente un anillo en el dedo de la Virgen y sosteniendo el bastón florecido, símbolo de que él es el elegido, en su mano izquierda. Ha florecido su báculo mientras que los de los demás pretendientes quedan secos. Dos de los pretendientes, enfadados, rompen sus bastones. Se introduce así el tema de los pretendientes rechazados, pues es uno de ellos que, según un claro uso folclórico de trasfondo sexual, en el momento del matrimonio de ella con otro, demuestra públicamente, con este gesto, que ha cesado toda pretensión en frente de la mujer.
ANÁLISIS FORMAL O ESTILÍSTICO
Toda la representación es muy mecánica, muy calibrada y calculada. Para enlazar la parte superior de la tabla con la inferior se usan las losas del pavimento, que subrayan la fuga de perspectiva, y de las apropiadas disposiciones de las figuras. El templo poligonal en el estilo de Bramante establece y domina la estructura de esta composición, determinando la disposición del grupo del primer plano y de otras figuras. Al mantener la perspectiva en el pavimento y en los ángulos del pórtico, las figuras disminuyen proporcionalmente en tamaño.
San Juan Evangelista
Donatello
ANALISIS SENSORIAL
Se puede apreciar una forma tan orgánica, sus detalles son tan perfectos y precisos que nos hacen imaginar que se tiene al mismísimo San Juan en persona sentado en su trono intentando expresarnos una de sus muchas sabidurías.
San Juan Evangelista es una escultura de mármol de Donatello (210x88x54 cm) esculpida paran la antigua fachada del Duomo de Florencia y en la actualidad se conserva en el Museo dell'Opera del Duomo. Data de 1409-1411 y fue el modelo más directo para el Moisés de Miguel Ángel.
CONTEXTO SOCIOLÓGICO, POLÍLITO E HISTÓRICO
Como en las demás manifestaciones artísticas, los ideales de vuelta a la Antigüedad , inspiración en la naturaleza, humanismo antropocéntrico e idealismo fueron los que caracterizaron la escultura de este período. Ya el Gótico había preludiado en cierta manera algunos de estos aspectos, pero algunos hallazgos arqueológicos (el Laocoonte, hallado en 1506, o el Torso Belvedere) que se dieron en la época supusieron una auténtica conmoción para los escultores y sirvieron de modelo e inspiración para las nuevas realizaciones.
ANÁLISIS SIMBÓLICO
Donatello, en esta escultura demostró un manierismo gótico tardío, y no sólo con las referencias a la composición de estatuas antiguas, también en la búsqueda de la expresión de una verdadera humanidad y verdad.
SIGNIFICADO IDEOLÓGICO
El santo está representado sentado, con el atributo típico del libro mantenido de pie, sobre una pierna, con la mano izquierda. Las vestiduras crean fuertes efectos de claroscuro, con grandes pliegues, especialmente en la parte inferior, que aumentan el sentido de los volúmenes de las extremidades. Los hombros son curvos con los brazos inertes y abandonados, se simplifica el busto geométricamente por medio de una línea semicircular.
ANÁLISIS FORMAL O ESTILÍSTICO
La cabeza, con barba y con un espeso pelo rizado, girada hacia la derecha tiene una mirada fija e intensa, creando una sensación de energía, que mantiene en sus mejores obras Donatello, como la del San Marcos y San Jorge, talladas en esos años. Las cejas son gruesas y ligeramente juntas en expresión concentrada, gran relieve tienen también, las profundas arrugas horizontales en la frente y la boca apretada, tal vez inspirado en una cabeza del Júpiter Capitolino.
Crucifijo del Santo Spirito
Miguel angel
ANALISIS SENSORIAL
El Crucifijo del Santo Spirito, es una obra escultórica de la juventud de Miguel Ángel, que se encuentra en la sacristía de la Basílica del Santo Spirito en Florencia.
Después de la muerte de su gran mecenas Lorenzo el Magnífico, Miguel Ángel fue hospedado en el convento del Santo Spirito en el año 1492. En este lugar, con la autorización del padre prior Niccolò di Giovanni di Lapo Bichiellini,
CONTEXTO SOCIOLÓGICO, POLÍLITO E HISTÓRICO
En este lugar, con la autorización del padre prior Niccolò di Giovanni di Lapo Bichiellini, tuvo la posibilidad de analizar los cadáveres provenientes del hospital del convento para estudiantes de anatomía, consiguiendo de esta manera una gran experiencia para sus futuros trabajos en la representación del cuerpo humano.
ANÁLISIS SIMBÓLICO
Como agradecimiento a la hospitalidad recibida, Miguel Ángel realizó un crucifijo en madera policromada donde resolvió el cuerpo de Cristo desnudo, como el de un adolescente, sin resaltar la musculatura, así mismo el rostro parece el de un adulto con una medida desproporcionada respecto al cuerpo.
ANÁLISIS FORMAL O ESTILÍSTICO
la policromía está realizada con colores muy tenues y unos leves hilos de sangre en armonía con la simplicidad de la talla de la escultura. Se dio por perdido durante la dominación francesa, hasta su recuperación en el año 1962, en el mismo convento, cubierto con una espesa capa de pintura que lo hacia, casi irreconocible.
Santísima Anunciada (Florencia)
Michelozzo di Bartolomeo
ANALISIS SENSORIAL
Me parece que para su época fue una obra muy importante ya que todo estaba basado en la religión y sus dioses en los cuales se buscaba la construcción de templos para su alabanza y glorificación.
La iglesia fue fundada en 1250 por los siete fundadores de la Orden de los Servitas. En 1252, una pintura de la Anunciación , que había sido empezada por uno de los monjes, pero abandonada en plena desesperación por creer que no podía crear una imagen suficientemente bella, fue supuestamente completada por un ángel mientras él dormía. Esta pintura fue colocada en la iglesia y se hizo tan venerada que en 1444 la familia Gonzaga de Mantua financió un templete especial. Michelozzo, hermano del prior servita, fue encargado de su construcción, pero puesto que Ludovico II Gonzaga sentía una admiración especial por Leon Battista Alberti, se lo encargaron a éste en 1469. Su visión quedó limitada, sin embargo, por los fundamentos precedentes. La construcción se completó en 1481, después de la muerte de Alberti.
CONTEXTO SOCIOLÓGICO, POLÍLITO E HISTÓRICO
Los peregrinos que llegaban a la iglesia a venerar la pintura milagrosa a menudo dejaban ofertas votivas de cera, muchas de ellas modelos a tamaño natural del donante (a veces incluyendo caballos). En 1516 se erigió un atrio especial para alojar estas figuras, el Chiostrino dei Voti. A finales del siglo XVIII había unas seiscientas imágenes de este tipo, convirtiéndose en una de las principales atracciones turísticas de la ciudad. En 1786, sin embargo, todas se fundieron para hacer velas.
Las novias florentinas tradicionalmente visitas el santuario para dejar sus ramos y rogar por un largo y fructífero matrimonio
ANÁLISIS SIMBÓLICO
Se entra a la iglesia por el Chiostrino dei Voti. La decoración barroca del interior de la iglesia se comenzó en 1644, cuando Pietro Giambelli pintó frescos en el techo con una Asunción como pieza central basándose en dibujos de Baldassare Franceschini.
La primera capilla a la derecha contiene una Virgen en la gloria, obra de Jacopo da Empoli, con muros pintados al fresco por Matteo Rosselli. La quinta capilla a la derecha contiene un monumento a Orlando de Médicis (1456) por Bernardo Rossellino. El transepto derecho tiene una pequeña capilla lateral con una Pietà (1559) de Baccio Bandinelli y está honrada con la presencia de su tumba.
SIGNIFICADO IDEOLÓGICO
El Chiostrino dei Voti fue diseñado por Michelozzo, y está cubierto de frescos comenzados en 1516 para marcar la canonización de Filippo Benizzi, quinto Prior General de los Servitas.
Del crucero norte se pasa a otro claustro, conocido como el Chiostri dei Morti (claustro de los muertos), cuyo nombre se debe a que sirvió de cementerio. Contiene la famosa Virgen del saco (1525) de del Sarto. La Cappella di San Luca, que sale de ella, ha pertenecido a la confraternidad de artistas de la Accademia delle Arti del Disegno desde 1565.
ANÁLISIS FORMAL O ESTILÍSTICO
La tribuna rodeada de capillas o coro, conocida como la Rotonda , fue diseñada por Michelozzo y Leon Battista Alberti entre 1444-76. Entre las capillas destacan la quinta (alienada con el eje de la nave), que tiene un crucifijo (1594-8) de Giambologna para su tumba, con estatuas de las vidas activa y contemplativa por su alumno Francavilla, santos y ángeles de Pietro Tacca,[4] y murales de Bernardino Poccetti. La siguiente capilla tiene una Resurrección (1548-52) de Bronzino con una estatua de San Roque atribuida a Veit Stoss. La siguiente capilla tiene una Virgen con santos de un seguidor de Perugino.
En la sexta capilla a la izquierda de la nave hay un Santos Ignacio, Erasmo y Blas de Raffaellino del Garbo, la capilla siguiente tiene una Asunción (1506) de Perugino. El retablo de la siguiente capilla tiene una Trinidad con san Jerónimo y dos santos (h. 1455) de Castagno, quien también pintó el mural de Visión de san Julián en la siguiente capilla, llamada la Capilla Feroni. Esta capilla tiene una decoración muy elaborada de estilo barroco de Giovanni Battisa Foggini que data de 1692. La primera capilla justo a la izquierda de la entrada tiene un tabernáculo de la Annunziatia (1448-52) de Michelozzo y Pagno di Lapo Portigiani.
Fuente de Neptuno
ANALISIS SENSORIAL
La fuente de Neptuno (también llamada Il Biancone) de Florencia está situada en la Plaza de la Signoria, frente a la esquina del Palazzo Vecchio.
Es obra de Bartolomeo Ammannati (1563-1565) y de algunos de sus aprendices, entre ellos Giambologna.
FICHA TÉCNICALa fuente fue comisionada en ocasión del matrimonio entre Francisco I de Médici y la archiduquesa Juana de Austria en 1565. Inicialmente el trabajo se le fue encargado a Baccio Bandinelli, quien diseñó el modelo, pero murió antes de poder empezar a esculpir.
CONTEXTO SOCIOLÓGICO, POLÍLITO E HISTÓRICO
Como en las demás manifestaciones artísticas, los ideales de vuelta a la Antigüedad , inspiración en la naturaleza, humanismo antropocéntrico e idealismo fueron los que caracterizaron la escultura de este período. Ya el Gótico había preludiado en cierta manera algunos de estos aspectos, pero algunos hallazgos arqueológicos (el Laocoonte, hallado en 1506, o el Torso Belvedere) que se dieron en la época supusieron una auténtica conmoción para los escultores y sirvieron de modelo e inspiración para las nuevas realizaciones.
ANÁLISIS SIMBÓLICO
La figura de Neptuno, hecha en mármol de Carrara, y cuyos rasgos reflejan los de Cosme I de Médici, era una alusión al dominio marítimo de Florencia. Se yergue sobre un pedestal decorado con las estatuas de Escila y Caribdis, en el centro de una fuente octogonal.
ANÁLISIS FORMAL O ESTILÍSTICO
La estatua no fue particularmente apreciada. Se cuenta que los florentinos presentes en la inauguración nocturna de la estatua, al descubrirse la obra notaron más su blancura que su belleza —de ahí el nombre de Biancone— y acuñaron el dicho “Ammannato, Ammannato, ¡cuánto mármol has desperdiciado!” (“Ammannato, Ammannato, quanto marmo hai sciupato!”). Sin embargo, los trabajos prosiguieron durante los diez años siguientes, con la ayuda de los mejores escultores de la ciudad en los bordes de la fuente.
ANÁLISIS FORMAL O ESTILÍSTICO
Se aprecia la influencia del manierismo en sus estatuas de caballos de mar, sátiros danzantes y divinidades fluviales, pero el conjunto permanece armonioso y coherente, siendo un ejemplo para las posteriores obras del género.La fuente ha sufrido numerosos daños: fue usada como lavatorio durante el siglo XVI, fue objeto de vandalismo el 25 de enero de 1580, un sátiro fue robado en el carnaval de 1830, y fue dañada en los bombardeos de los Borbones en 1848. El 4 de agosto del 2005 un vándalo, tratando de trepar sobre el Biancone, dañó su mano derecha y el tridente. La restauración fue concluida en la primavera del 2006).
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